por Ana María Battistozzi
Revista Ñ, Buenos Aires, 2015
Matilde Marìn exhibe una serie de enigmáticos paisajes imaginarios que puede leerse como una metáfora de un reflexivo recorrido interior.
El viaje ha ocupado un lugar central en los mitos y en las ficciones de todas las culturas, desde los egipcios y Homero en el mundo antiguo hasta Conrad, Joyce, Cèline, Sebald o la novela gráfica contemporánea. En cada relato el tránsito, la partida, el retorno, el exilio o el camino hacia el interior de uno mismo se engarza a complejas tramas de pericias y aventuras. No es extraño entonces que se constituyera en el argumento y la razón principal de las dos series de trabajos recientes – Paisajes indeterminados y El viaje imaginario de Kasimir Malevich que Matilde Marín presenta ahora en la galería Del Infinito. Fundamentalmente porque coincide con un momento de singular madurez en la obra de la artista que condensa los variados intereses e inquietudes que a lo largo de toda su trayectoria contribuyeron a modelar su mirada.
El conjunto se erige así en metáfora del íntimo recorrido que en ciertos momentos de la vida embarca a todo ser en la reflexión sobre sí mismo. Marín es una artista viajera y, si bien sus imágenes nacen del mundo real, no hay en ellas nada que pueda identificarse con un paisaje en particular. Lo suyo guarda razonable distancia con la modalidad de crónica que popularizó el siglo XIX y alumbró el desbordante imaginario de paisajes que cruzó ambiciones científicas, notación pormenorizada y fantasías románticas. Más bien se inscribe en el curso metafísico que al promediar el siglo XIX se orientó a rescatar el potencial de lo incierto y lo enigmático que luego fascinó a los surrealistas.
Así en los Paisajes Indeterminados, una de las dos series de collages fotográficos, se perciben climas de inquietud similar al de la serie de pinturas Die Totenisel de Arnold Böckling, conocidas bajo el nombre de La isla de la Muerte. La misma atmósfera solitaria de serena fatalidad en el misterio que encierran unas inmensas rocas recortadas a contraluz sobre cielos amenazantes.
Con todo, estos paisajes que a la distancia evocan esa impronta de tradición simbolista o surreal han sido construidos en base a una superposición de registros fotográficos realizados en geografías diversas. La artista no da pistas. Su viaje es a la vez indagación visual y eventual pesquisa destinada a implicar al espectador de algún modo. De allí que los promontorios rocosos que asumen el protagonismo en cada imagen pueden asentarse en una tierra desértica o emerger de la movediza superficie del mar. En ese marco de circunstancias inciertas y similares se deslizan figuras geométricas como sombras o proyecciones sobrenaturales y algunas formas de close up como pistas difíciles de descifrar. La consecuencia es la suspensión del tiempo en un espacio no reconocible. Un espacio-paisaje ideal que permanecerá inmutable sólo en el registro que tuvo o imaginó el artista. ¿Un desafío al devenir? Paisajes indeterminados muestra la naturaleza con escasos datos del mundo real y por eso mismo no alcanzan a constituirse en testimonio de la presencia del artista, ni siquiera para interrogarse si al volver los esperará con la misma forma, como ella sugiere.
Con esta serie Marín cierra una trilogía de paisajes fotográficos que comenzó en los 90 -de la que forman parte los Paisajes horizontales y Paisajes intervenidos – básicamente realizados en Sudamérica.
Acaso esta experiencia y la elaboración de sus imágenes situó a la artista ante una reflexión sobre la naturaleza y a la cuestión de su representación.
Probablemente este mismo itinerario instaló la interesante relación figuración-abstracción que apareció luego en su obra. Así parece inevitable que el propio viaje, como acontecimiento que facilitó una pluralidad de experiencias surgiera como tópico y espacio reflexivo, ligado a esa remota tradición de la cultura que evocábamos al inicio de este texto. Pero fundamentalmente a la construcción de una mirada.
Todas las imágenes que integran estas dos series de 15 y 16 fotografías cada una resultan de una combinación de fotografías analógicas y una operación digital que transforma la tradicional estrategia de composición de imágenes fotográficas en algo distinto. Algo parecido a la experiencia del pintor, o el dibujante que puede poner esto aquí o agregar aquello allá. En el curso de estos procedimientos Marín toma distancia del ingente flujo de imágenes que nos acechan y del que podrían echar mano. Opta por limitarse a su propio archivo y registros.
En ese empeño se vislumbra el desplazamiento metafórico del viaje como construcción de una mirada. Al fin son sus propios recortes y tomas los que revelan el rasgo propio en una transformación cuyo comienzo o final son difíciles de definir. ¿Dónde y cuándo comenzó este itinerario y hasta cuándo seguirá?
La serie El viaje imaginario de Kasimir Malevich aporta sobre este punto varias consideraciones. Por un lado la vuelta de la artista a trabajar en papel que la remite a los orígenes nunca abandonados del grabado y, por otro, a un homenaje liberador al artista ruso q casi no salió de su país natal. Cada cuadro remite a una escala en un recorrido ficcional de Malevich que en verdad realizó a través de la propia artista o bien que la artista realizó condicionada por él. Una escena en el MoMa, otra en la Tate Modern, un recorrido por Saint Maló en Francia o en la isla de Guernsey. En cada caso Marín realizó tomas fotográficas que alteró proyectando formas esenciales del suprematismo – el cuadrado negro, el cuadrado blanco; el círculo o el rectángulo. El repertorio de formas suprematistas que Malevich concibió a partir de su pensamiento filosófico preside el conjunto de imágenes de viaje realizadas por Marín que se funden en este homenaje. El espacio como cuestión fundamental en el pensamiento de Malevich es determinante en ella. Como señala Burucúa en el texto del libro de artista que generó, “Matilde ha conseguido esa espacialidad pura, sin tiempo, en sus fotos transfiguradas, pues genera y transmite la sensación de que las formas suprematistas pueden aparecer donde quiera sea que la mente y las manos las produzcan”.
Párrafo aparte merece este libro de artista que diseñó Manuela López Anaya con las imágenes de Marín y un ensayo de Burucúa. Otro desprendimiento de esta serie de fotografías impresas sobre papel de algodón que rinde homenaje a Malevich y tiene antecedente en otro emprendimiento compartido: Cuando divisé el humo azul de Itaca publicado en Aquí el homenaje de Marín al artista ruso brindó a Burucúa la ocasión de desarrollar un proyecto inverso en un ensayo que lo llevó a rastrear el origen de las formas suprematistas en el pasado ruso y europeo . El itinerario lo condujo a través de los fundamentos filosóficos de la pintura de Malevich y la influencia de las ideas del compositor Matiushin que lo acercaron a la representación de la cuarta dimensión. Justamente para el autor de la ópera Victoria sobre el Sol, Malevich realizó por primera vez el cuadrado negro como telón. Podría decirse que la indagación de Burucúa que lo llevó al futuro y pasado de estas imágenes es uno de los viajes más fascinantes del ejercicio intelectual.